アンダンテ
(管弦楽部)

ライブラリアンの独り言  

 ライブラリアン役員、のっち がお届けする「ライブラリアンの独り言」。第4回のテーマは“フィリップ・ジョーンズ・ブラス・アンサンブル”です。
 
 まずは、フィリップ・ジョーンズ・ブラス・アンサンブル(以下PJBEと表記)についてご説明しましょう。
 PJBEは1951年にイギリスでフィリップ・ジョーンズ氏が結成した金管アンサンブルグループです。日本にも何度か来日公演を行いました。
 残念ながら1986年に解散となってしまいましたが、PJBEの2代目として“ロンドン・ブラス”が結成され今に至ります。
 
 PJBEの演奏レパートリーはとても広いです。古楽曲から現代曲、ソロ曲から吹奏楽まで、様々な録音が残っており今でも多数のCDが販売されています。
 なかでも1番有名なものはクリス・ヘイゼル作曲「3匹の猫」と「もう1匹の猫」ではないでしょうか。金管十重奏の定番曲の1つですよね。
 
 では「3匹の猫」と「もう1匹の猫」について書きたいと思います。「3匹の猫」は3つの曲からなる組曲です。各曲の曲名は作曲者クリス・ヘイゼルが飼っていた猫たちの名前です。それぞれミスター・ジャムス、ブラック・サム、バーリッジ、「もう1匹の猫」はクラーケン となっています。
 
 この組曲は私たち管弦楽部でも、アンサンブル発表の場で幾度となく演奏されてきました。昨年の収穫祭では“「3匹の猫」シリーズ全曲演奏プロジェクト”と題してPJBEの「3匹の猫」と「もう1匹の猫」に加え、ロンドン・ブラスの「もう3匹の猫」の計7曲を通して演奏しました。
 ロンドン・ブラスの「もう3匹の猫」ですが、これもクリス・ヘイゼルの作品であり、各曲にヘイゼルの飼い猫であるフローラ、タビー・マウストラウザー、ホームプライドの名前がつけられています。
 本番では各曲間に曲や楽器などの紹介、そして演奏者インタビューを行い、演奏時間は35分という長さになりました。ちなみに35分という長さは、ベートーベンの交響曲第5番「運命」の演奏時間に匹敵します。
 
 さて、昨年の全曲演奏では演奏する曲順や、楽器の配置にもこだわりました。
 通常では、「3匹の猫」を演奏してから「もう1匹の猫」を演奏しますが、昨年の演奏では、ヘイゼル家に来た猫の順番に習い「もう1匹の猫」を演奏してから「3匹の猫」を演奏しました。
 そして楽器の配置ですが、通常ではホルンとチューバを中心に配置するのに対して、昨年はPJBEに準じ、ホルンと1stトロンボーンを中心に配置し、チューバを一番外側にしました。
 
 なぜこのように昨年の演奏について詳しいかと言いますと、私が“「3匹の猫」シリーズ全曲演奏プロジェクト”を遂行し、管弦楽部のメンバーやOBの先輩方を巻き込み、当日の曲順や楽器配置、そして曲間のトークを行ったからです。
 このプロジェクトは好評を博したので、今年も金管十重奏の曲をやりたかったのですが、残念ながら収穫祭の中止により叶わぬ夢となってしまいました。
 
 近年は「金管アンサンブルと言えばロンドン・ブラス!」という方も多いようですが、ぜひ一度PJBEの演奏に触れてみてはいかがでしょうか?
 PJBEチューバ奏者のジョン・フレッチャーの「熊蜂の飛行」は特に聴き応えがあるかと思います。
 また、ムソルグスキー作曲の組曲「展覧会の絵」も聴き応えがあります。これはPJBEメンバーのエルガー・ハワースによるオリジナル編曲で、金管と打楽器のみで原典版の全16曲を演奏したものです。
 他にもサミュエル・シャイト作曲「戦いの組曲」や、ジョヴァンニ・ガブリエリの「第7旋法による8声のカンツォン 第2番」もおすすめです。
 
 それではまた次回をお楽しみに。
 
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学生指揮者の練習日誌

おはようございます。トランペットパート所属、令和2年の学生指揮者です。


最近、ふと練習に使っていたスコア(全楽器の楽譜が記されたもの)を読み返したところ、ところどころに今後の練習で取り組む点やその練習方法などがメモされていたので、定期演奏会のプログラムに掲載予定だった曲目紹介とともに今回の演奏曲目であった

交響曲第1番ハ短調 作品5/ニルス・W・ゲーゼ
交響曲第2番「四つの気質」作品16/カール・A・ニールセン

の紹介と、練習の裏話などをお伝え出来たらなと思っております。


第1回で紹介するのは、第113回定期演奏会の1曲目
交響曲第1番ハ短調 作品5/ニルス・W・ゲーゼ 第1楽章、第2楽章になります。


第1楽章

『第1楽章は穏やかに始まります。ヴィオラにより提示された旋律は第1楽章のみならず楽曲を通して現れるため、楽曲全体の主題といっても過言ではないでしょう。この旋律が弦楽器・木管楽器で奏でられた後、トランペットをはじめとした金管楽器のファンファーレにより英雄的なアレグロ主題の開幕です。』

第113回定期演奏会はゲーゼの美しいメロディーにより静かに始まる予定でした。
しかし初めてこの曲を全体で合わせた時は…とにかく音の縦が揃わない!
静かな曲は音の出だしがズレてしまうとすぐにバレてしまうのが厄介なところです。加えて今回は演奏会でチューニングを除けば初めて舞台上で演奏される音なので、練習後期では厳しく取り組もうと思っていた課題の1つでもあります。

ファンファーレ以降はテンポも急激に早くなるので、練習初期は曲についていくことのみで皆さん精一杯でした。
しかし練習を重ねていくにつれて、アイコンタクトや呼吸、体そのものの動きで少しずつ音の縦が揃うようになってきました。

プロならば1,2回でピッタリ合わせてしまうのでしょうが、学生の部活ならではの幾度もの練習を重ねて少しずつ音を合わせていく時間、大人数で1つの曲を創っているという感覚がとても好きです。(その過程の中では色々衝突などもありますが…)

また、この楽章には付点8分音符と16分音符を合わせた所謂「スキップ」のようなリズムが多く登場します。オーケストラに限らず吹奏楽の練習などでもありがちなのが、この「スキップ」のリズムが3連符寄りの「音頭」のようなリズムになってしまうことです。
(音楽をやっていた方は1度は注意されたことがあるのではないでしょうか…?)
テンポが速い・タンギングが間に合わなかったりと様々な要因が重なり、ついつい楽な「音頭」リズムを演奏してしまいがちですが、必ずといってよいほど注意される箇所なので合奏練習では注目していました。
偉そうに指揮台に立って注意をしていますが、僕もたまにやります。人間、楽をしたい生き物なのです。


『後半部分は前半部分の繰り返しのように聴こえますが、より勇壮なものに変化していて、その興奮は収まることなくコーダへと続き、華やかに第1楽章を締めくくります。』

この楽章、コーダ(終結部)に向けて加速していきます。
高音の弦楽器や木管楽器は上述した「スキップ」リズムをフォルティシモでこれでもかと演奏した後コーダに突入。マラソンした後にすぐ100m走やれと言われているようなものです。
初合奏時には先へ先へと走っていく奏者もいれば、追いつけなくなってリタイアしていく奏者もちらほら…。
それでも練習後半にはこれもまた揃う兆しが見え隠れしていたので、もう少し練習を重ねていればとても華やかなコーダが完成していたかもしれません…

それにしてもこの第1楽章、これで曲が終結するかのような壮大な終わり方をします。
第4楽章と入れ替えても問題ないのでは…?とこっそり考えていたのですが、適当な事を書くのはやめておきましょう。第4楽章も第1楽章に勝るとも劣らない派手さです。お楽しみに。


第2楽章 

『小刻みな旋律が主体の曲想と、ヴァイオリンによる波打つような旋律が現れる曲想が交互に出現するのが特徴の軽やかなスケルツォ。』

スケルツォを漢字で表すと「諧謔曲(かいぎゃくきょく)」になります。日常生活では見慣れない言葉ですね。
スケルツォとは、ふざけた音楽を意味します。舞踏曲的な性質を持っていることが多く、快活でおどけた曲想が特徴です。(ものすごく暗く凶悪なスケルツォもあります。)


そして「スケルツォ」と名のついた音楽の殆どに共通していること、それは…「めちゃくちゃ速い」ことです。
ヴァイオリン・ヴィオラの楽譜が8分の6拍子の八分音符で敷き詰められ慌ただしい中で、合奏で最終的にはこの速さでやりたいですねと僕が発言してしまったとき、該当パートの皆さんは苦笑いしていました。申しわけありません。

というのも、世に出回っている参考音源を聴くとこの第2楽章を比較的遅めに演奏している音源がそこそこの割合で存在しているのです。つまりその遅めの音源に慣れてしまうと、楽譜表記のテンポで演奏した際に玉砕してしまうわけです。
初めて練習する曲を聴いてみるとき、最初に聴いた音源のテンポや表現が自分の中で楽曲の絶対的なイメージとして固定されてしまう音楽あるあるの一種です。(個人的な意見です)
自分のよく聴いていた音源が、一般的には「クセのある表現」の音源だったときの衝撃は忘れられないです。

余談ですが、僕は練習している曲の旋律を部員の名前で歌うことがちょっとした習慣で、この第2楽章に登場する旋律も見事名前で歌い上げ、部員に微妙に浸透させることに成功しました。旋律に歌いやすい歌詞(?)がつくと勝手に口ずさんだり頭の中で歌ってくれたりするので、自然と曲を覚えたり抑揚・表現を考えるきっかけとして役立ちます。どの楽器を演奏するにしても、歌唱練習というものはやはり偉大です。
(名前を歌われている本人がどういう感情をもつのかはわかりかねますが😎)

第2楽章後半にはチェロによる魅力的な独奏もありました。あるチェロ大好きな現2年生くんがこのソロを羨んでいたのを覚えています。
来年は思う存分弾いてくだされ!!

また終盤ではホルンパートのYくんが一人で低音を演奏しなければいけない箇所で苦戦していたのも印象的でした。他の楽器の音が消え正真正銘1人での演奏なので、絶対にミスをしてはいけない部分なのです。
皆さんは、音楽の中でミスをしてはいけない場面で、「絶対にミスするなよ」と喝を入れられるか、「ミスしてもいいよ」とかりそめの落ち着きを与えられるの、どっちが好みでしょうか?
僕はどちらも嫌です。なるべく平穏に生きたいのが僕の願いです。(トランペットを担当している時点でそれは不可能なのですが…)

第2楽章は第1楽章とは打って変わって弦楽器のピッツィカート(弦を指ではじく音、かわいい音が鳴る)で静かに終わります。この曲の中でもひと際美しい第3楽章への布石でしょうか。

第3楽章はオーボエのソロから始まるのですが…… 長くなってしまうので、今回はここまでといたします。

長い長い梅雨が明けたと思ったら、焼けつくような暑さの日々が続いていますのでくれぐれも体調にはお気を付けください。
(この記事…需要はあるのでしょうか??)

ライブラリアンの独り言

 ライブラリアン役員、のっち がお届けする「ライブラリアンの独り言」。第3回のテーマは“ブルックナーの交響曲第8番”です。
 
 本題に入る前に、ブルックナーについて少し書きたいと思います。
 ヨーゼフ・アントン・ブルックナー(Joseph Anton Bruckner)(1824.9.4~1896.10.11)はオーストリアで活躍した作曲家、オルガニストです。生涯で書いた交響曲は11曲、うち2曲は未完成です。また、合唱曲を数多く残しています。
 
 ブルックナーのわかりやすい特徴として、楽譜の版の多さがあります。大まかには、初版群、第一次全集版(ハース版など)、第二次全集版(ノヴァーク版など)、の3つです。さらにこの3つのなかにも様々な版があり、版の数はとてつもない数になっています。
 ブルックナーの原典版が行われる演奏会は数少ないです。最近では、2018年にシモーネ・ヤング氏指揮・新日本フィルハーモニー交響楽団の演奏による、交響曲第4番(1874年初稿・ノヴァーク版)が記憶にある方もいるのではないでしょうか。
 私もこの演奏会を聴いたのですが、聴き慣れた版と初稿版とでのあまりの違いにとても驚きました。
 
 さて、ブルックナーと言えば、ある日本人指揮者を思い浮かべる方もいるのではないかと思います。それは、朝比奈隆氏です。朝比奈氏は1947年に関西交響楽団(現在の大阪フィルハーモニー交響楽団)を設立した方です。
 ブルックナーやベートーベン、ブラームスを数多く指揮し、交響曲全集も多数発売され、「ブルックナーの巨匠」とも呼ばれました。
 朝比奈氏は演奏の録音を積極的に行いました。その録音は未だに人気が高く、今でも沢山のCDが販売されています。
 
 さて、世の金管奏者はなぜブルックナーに魅せられるのでしょうか?それは、“映え”?
 
 交響曲第8番は、特にトロンボーン奏者・チューバ奏者なら誰しも一度は演奏してみたい曲の一つではないでしょうか?特に4楽章は金管低音が映える場面ですよね。皆さんもぜひ1度聴いてみてはいかがでしょうか?
 
 
 それでは、交響曲第8番の中身に迫って行きましょう。と言いたいところではありますが、長くなるので続きはまた別な機会ということで。
 
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ライブラリアンの独り言

ライブラリアン担当、のっち がお届けする「ライブラリアンの独り言」。第2回のテーマは“オンライン演奏”です。
 
 コロナウイルスの影響により、2月末からプロ、アマチュア共に全ての演奏会が中止になったことは皆様もご存知かと思います。
 私も直近で演奏会に参加したのは、2月末にフィガロの結婚序曲とシューベルトの交響曲第4番の演奏でした。
 
 4月は自粛期間だったこともあり、自宅で基礎練習だけの時もありました。ですが、私の周りの楽器奏者の間では「花は咲くチャレンジ」と呼ばれるハッシュタグ(#)が流行りました。これは「花は咲く」のサビなどを演奏し、インスタグラムへ上げるというものでした。
 それと同時に、多重録音も多く試みられていました。多重録音とは、一人で複数のパートを別々に演奏・録音し、それらを一つにまとめることで曲が完成します。これは一人でもアンサンブルをしている気分が味わえて、とても面白いものです。
 「多重録音でリズムなどがぴったり合うのか」と言われることもありますが、実は普通にアンサンブルを行うよりも合わせることが容易でした。なぜなら、演奏者の癖が全く同じだからです。
 私は多重録音で 東京オリンピックファンファーレ, シャルパンティエのテ・デウム, ブルックナーの交響曲第8番 4楽章, などに挑戦しました。リズムの取り方が全パート同じなので予想以上の出来映えになりました。
 
 さて、3月末にYouTubeに公開された新日本フィルハーモニー交響楽団の動画はご存知でしょうか? 再生回数226万回を越えた「テレワークでパプリカやってみた!」です。これは題名の通り、テレワークでパプリカを演奏したものです。最初は2ndVn×2, V.C, Tub の4人からスタートしました。最初はメロディすら無かったのです。それが回を追うごとに人数はどんどん増え、最終回では団員のほとんどが参加していました。
 この動画はテレビなどで取り上げられ非常に話題になり、テレワークでもオーケストラ演奏ができるということを全世界に知らしめました。そしてオーケストラの演奏がどのようなパートによって成り立っているのかを、オーケストラを知らない方々に広めました。
 これをきっかけに、世界中で様々なテレワーク演奏がプロアマ問わずたくさん行われました。
 
 私の周りの楽器奏者の間でもテレワークでのオーケストラ企画は盛んになりました。私もいくつか参加させて頂きました。私の参加したある企画では、Facebookにおいて2000件以上のシェアをされるほど反響がありました。
 テレワークオーケストラの良さは、奏者が全国各地から時間や場所を問わず参加できることです。なぜなら奏者の都合の良いときに録音し、期限までに主催者に送るだけですから。
 しかし、テレワーク演奏の最大の難点は“編集”です。参加人数が増えれば増えるほど、編集作業は複雑になります。全員が同じテンポで演奏しても、録音機材や演奏者の感じ方で誤差は生じてしまいます。音声を合わせ、映像を合わせる。ゼロコンマ数秒単位の調整をする労力は大変なものです。
 
テレワークでの演奏も良いですが、やはり生の演奏が一番です。コロナ禍が落ち着き、今まで通りの演奏会ができる日が待ち遠しいです。 
 
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ヴァイオリン部員の呟き

こんにちは!
ヴァイオリンパート3年のI内です。
なかなか気が抜けない日々ですが、皆さんいかがお過ごしでしょうか??

こんな時こそクラシックを聴いてでリラックス!というのもアリですよね。
私はこの自粛期間中、今までにないくらいクラシックを聴いているような気がします。
なんせ落ち着きますし、他のことをしながらでも聴きやすいジャンルですしね。

私は大学に入るまでは、ソロか弦楽アンサンブルでしかヴァイオリンを弾いたことがありませんでした。
なので自然と聴くクラシックのジャンルも偏っていて、正直管弦楽の曲となるとまだまだ勉強不足です。
最近になって、ようやく自分の好みが分かってきたり、もっと色んな作曲家の曲を聴いてみよう!と思ったりしている今日この頃です。

私が弦楽アンサンブルに所属していたのは小学校高学年の頃の2年間くらいです。
当時習っていたヴァイオリンのクラスで一定の曲を弾けるようになると所属できるというシステムで、同じ地方、同じ系列の弦楽器教室に所属する生徒で構成されていました。
その中で演奏会の舞台に立ったのは一度だけなんですが、その練習から本番までの期間で、アンサンブルの楽しさにハマってしまった記憶があります。
演奏会で弾いた何曲かの中で、1番印象深いのが、チャイコフスキーの弦楽セレナードハ長調 Op48です。
普通に聴いてもとても綺麗な曲なんですが、ホールで演奏すると和音の響きが一段と際立って、弾きながらとても感動していたのを覚えています。

その頃の印象からか、今でもチャイコフスキーやラフマニノフといったロシア系のメロディが綺麗な曲は特に好きです。
今風に言うと「エモい」みたいな切なさが旋律に含まれているのもポイントです。

引越した都合でアンサンブルを続けられなかったので、いつかオーケストラに所属したい!と思い、今に至るわけです。
弦楽アンサンブルの時に何台もの楽器の迫力に感動したものですが、管楽器や打楽器が加わるとそれ以上の迫力で、入部当初は圧倒されっぱなしでした。

なんだかんだ演奏会の緊張感にも慣れてきた今年になって部活動ができないのはとても残念なんですが、せっかくゆっくりできるので、たくさん音楽を聴いてみようかなと思います。
皆さんもぜひ音楽でリフレッシュしてみてください!

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